“James Bond es un instrumento contundente de Inglaterra. El despiadado y rencoroso bastardo de un imperio marchito que todavía quiere que el mundo haga lo que a él le salga de los cojones”.

Así de tajante sonaba Warren Ellis cuando definía al agente 007 durante la pasada década. Después de esto nadie diría que, apenas unos años después, conseguiría adaptarlo a nuestros tiempos.

Ellis acaba de terminar su etapa al mando de Bond, durante la que ha conseguido reinventarlo huyendo de todo lo que le convertía en un icono caduco del siglo XX. Aunque el héroe de acción haya sido reconvertido hasta la saciedad por el cine, su raíz en las novelas era muy distinta al icono en que acabó convirtiéndose. Ahora, el autor ha conseguido plasmar su esencia original en dos historias apasionantes: VARGR y Eidolon.

Los descendientes de Ian Fleming, el padre del mito de Bond, llegaron a finales de 2015 a un acuerdo con la editorial Dynamite para estrenar un nuevo cómic junto a la película Spectre. Aunque la labor de Daniel Craig como 007 estaba siendo soberbia —y nos ha hecho olvidar alguna de las filias del personaje—, era evidente que se había alejado del espíritu de las novelas.

Fleming había imaginado a un “hombre normal” de su tiempo, al cual sus duras circunstancias le convirtieron en un espía de armas tomar, con mucho peor carácter que inteligencia. Pero Hollywood le convirtió en todo lo contrario. El nuevo James Bond era un superhéroe machista, elegante y con tantos recursos que acababa asemejándose más al Inspector Gadget que a un espía del MI6.

Ya lo decía Ellis en el discurso anterior. Bond era un símbolo extinto, un “arma ambulante al servicio de un imperio en vías de desaparición. Alguien más bien amoral que no cree mucho en lo que hace y simplemente ejecuta órdenes y disfruta de las recompensas. La pesadilla de un psicólogo. Un icono cultural que apela a una fantasía de poder británica”.

Por eso, cuando le dieron la oportunidad de dar su propia versión sobre el icono, no se lo pensó un instante. Tenía la dura tarea de adaptar el personaje a nuestros días sin perder su esencia original. Y lo ha conseguido con un agente al que todos identificamos como 007, pero al que se hace imposible admirar.

En esta ocasión, se presenta como un hombre frío y cínico al que básicamente respetan por su efectividad en el trabajo. Es un asesino despiadado y lo sabe. No lo intenta camuflar con una forzada humanidad su condición servil. Sabe que es una máquina al servicio del gobierno del Reino Unido y no le importa en absoluto.

Además, su caracterización nada tiene que ver con la del actor británico Timothy Dalton. Es elegante y guapo, sí. Pero también suda —y hasta aparece oliendo su propio olor corporal en un momento icónico— y se lesiona. Su cicatriz en la mejilla, concepto que ya maquinó Fleming en su día, esclarece que no es el Batman empotrador que se nos ha vendido durante décadas.

La etapa de Ellis se caracteriza por su cruda violencia. En las películas nos quedamos indiferentes ante el sufrimiento de las víctimas, ya que no se suele plasmar con detalle. Pero en VARGR vemos cabezas molidas a tiros, entrañas saliéndose del cuerpo de los villanos y grandes escenas de acción en las que la sangre es la protagonista.

Toda la sutileza de los filmes de 007 se ven sustituidos por una radicalidad virulenta que encaja mucho mejor con el concepto original del personaje.

No es un genio ni un sabio, sino un guerrero con grandes instintos de supervivencia.

Donde más se observa la firma de Ellis es en la crítica política que integra en todas sus obras.

En esta ocasión, el MI6 no es una institución ejemplar a la que envidia toda Europa. Más bien, se presenta como una empresa con grandes problemas para salir adelante. De hecho, el primer conflicto que aparece son las presiones que recibe M, el director de la organización, para que elimine el proyecto 00. El MI6 sufre una fuerte crisis interna, tanto por sus problemas de organización como por su dificultad para seguir manteniendo el anonimato.

No es solo que el autor busque eliminar de 007 el homenaje al poder británico, sino que lo critica a más no poder. El Londres del nuevo James Bond no es el lugar paradisíaco y opulento de sus filmes, sino un lugar suburbial que recuerda mucho más a las crónicas de Jack el destripador.

Incluso se llega a retratar la polémica del Brexit y la soberbia inglesa en múltiples ocasiones. En una conversación de Bond con agentes alemanes, estos describen al Reino Unido como "un islote que funciona como un campo de concentración". Sin duda, una descripción que se adapta mucho mejor a la visión que el resto de Europa ha comenzado a tener sobre el país en este último año.

Mención especial para las Chicas Bond: todas las mujeres que aparecen en el cómic parecen más peligrosas que el propio 007, desde la secretaria que siempre suele tener algún arma entre sus manos hasta el primer interés amoroso del agente.

El personaje no es menos machista de lo que viene siendo habitual, pero las mujeres de su alrededor se toman sus artimañas como estrategias cavernícolas y vomitivas de intentar echar un polvo. 

En definitiva, el James Bond de Warren Ellis es tanto un homenaje como una crítica para el personaje. Ha sabido resucitar el espíritu de un icono de los 50 adaptándolo en un mundo que ha evolucionado mucho más que él.

Ya nadie quiere ser James Bond, pero sus historias nunca pasarán de moda.

2016 se despedía con una noticia terrible para los fans de Star Wars: Carrie Fisher, la actriz que interpretó a Leia Organa durante toda la saga, ha fallecido. Lo ha hecho después de demostrarnos que las princesas también podían ser generales. Y apenas un día antes que su madre: Debbie Reynolds.

La muerte de Fisher ha pillado por sorpresa a muchos, y ha sido una verdadera pérdida para sus compañeros en el set. Ahora Mark Hamill, quien interpretara a su mellizo Luke en la franquicia, ha decidido despedirse de su hermana en la ficción y en buena parte de la realidad con una emotiva carta escrita en The Hollywood Reporter. La podéis leer a continuación:

Carrie y yo ocupábamos un lugar único en nuestras respectivas vidas. Era como si hubiéramos tocado en una banda de garaje que de alguna manera tuvo un éxito enorme. No teníamos ni idea del impacto que 'Star Wars' tendría en el mundo. Recuerdo que estábamos de gira promocional cuando la película se estrenó. Llegamos a Chicago y vimos que había una gran multitud esperando en el aeropuerto. Dije: 'Mirad chicos, debe de haber alguien famoso en el avión'. Miré a mi alrededor para ver quién podía ser. Y entonces vi, entre la muchedumbre, a un niño vestido con el chaleco de Han Solo. Luego, a una niña vestida como la Princesa Leia. Dije: 'Oh, Dios mío. Mira, Carrie, hay alguien vestido como tú. ¡Tiene los moños en la cabeza!'.

Conocí a Carrie en una cena en Londres antes de comenzar a rodar juntos. Primero fui a África con Sir Alec Guinness y los robots, para hacer todo el material del planeta desértico. Y una vez grabado volví a Londres, donde estaba Harrison Ford. Carrie era la última pieza del puzzle, así que les dije a los de producción que quería conocerla antes de empezar a trabajar juntos. Arreglaron una cena en la que nos conoceríamos. Mirad, tenía 19 años en aquel momento. Y yo era un chico de 24 años que había viajado mucho. Pensé que sería como trabajar con una niña de instituto, pero me quedé boquiabierto. En serio, ella me pareció instantáneamente agradable, divertida y honesta. Tenía una forma propia de ser brutalmente sincera. Acababa de conocerla, pero era como hablar con una persona de la que supiese desde hacía 10 años. Me contó cosas de su padrastro, de su madre, de Eddie Fisher. Todo me lo decía con desgarradores detalles. No dejaba de pensar '¿Debería saber todo esto?'. Es decir, yo no habría compartido todo eso ni siquiera con alguien en quien hubiera confiado durante años. Pero ella era lo contrario. Simplemente te arrastraba a su mundo.

Yo era un chaval de clase media. Durante mi infancia, lo más parecido a un famoso que teníamos en el vecindario era un mozo de equipajes que le devolvió a Jerry Lewis su cartera cuando se le cayó en la pista del aeropuerto en San Diego. Pero Carrie era algo totalmente diferente. Dejó el instituto para estar en el coro de 'Irene' en Broadway. A mí me tenía fascinado.

Estaba muy comprometida con la alegría y la diversión. Abrazaba la vida. Era un poco como la protagonista de 'Auntie Mame'. Me gustaba hacer tonterías para hacerla reír en el rodaje. Hacerla reír era como una medalla de honor. Recuerdo que en el rodaje de 'El imperio contraataca' estábamos separados por la historia; era un rodaje difícil con mucha tensión en el set. Yo estaba en el pantano con marionetas y robots, pero al menos Carrie y Harrison pudieron trabajar con seres humanos. Durante una comida, ella dijo 'deberías ponerte mi uniforme'. Y yo le contesté '¿El traje blanco de una pieza? ¿Cuánto mides, un metro y medio? ¡No me cabe!' Insistió: 'Inténtalo'. Me puse ese traje de Princesa Leia y me estaba tan ajustado que parecía una cantante de Las Vegas. Por si eso no fuera lo suficientemente ridículo, me hizo ponerme un pasamontañas con una peluca de payaso, unas gafas y una nariz, y me paseó por la parte de atrás del estudio.

No había límites en lo que hacíamos para divertirnos. La quería y adoraba hacerle reír. Hacía muchas locuras. Me hacía hacer locuras, pero en realidad no creo que fueran tan descabelladas después de todo. En cierto sentido, era un mecanismo de defensa para ella. Era tan extravagante que podía usarlo como protección. Lo que te llegaba de ella es que era vulnerable, que tenía un haz de luz de niña pequeña que emocionaba. Activaba la naturaleza protectora de mi personalidad.

Estoy muy agradecido de que siguiéramos siendo amigos y de que volviéramos a reunirnos en este segundo acto con las nuevas películas. Creo que le reconfortaba que yo estuviera ahí, la misma persona, que pudiera confiar en mí, por más críticos que fuéramos el uno con el otro a veces. Tuvimos de todo a lo largo de los años, desde amarnos hasta odiarnos hasta la médula. '¡No estoy hablando contigo, eres un imbécil pedante', me llegó a decir. Pasamos por todo. Es como si fuéramos familia.

Cuando estabas a buenas con ella, no podías divertirte más con otra persona de este planeta. Te hacía sentir que eras lo más importante de su vida. Creo que esa era una cualidad muy extraña. También podías encontrarte con justo lo contrario: estar furiosos el uno con el otro y no hablaros durante semanas. Pero eso es parte de lo que hace una relación completa. No tiene una sola cara. Como digo, ella no era fácil. Había que cuidarla mucho. Pero mi vida habría sido mucho más aburrida e incompleta si ella no hubiera estado a mi lado.

Desde que en Hollywood se popularizara el Método hasta el punto de cargárselo, los actores y directores han buscado la forma de hacer más realista todo lo que ocurre en sus películas. Desde combates reales hasta, por supuesto, escenas de sexo.

El canal de Youtube Top Trending ha recopilado algunas de las cintas en las que las escenas que aparecen son de sexo real.  Robert Pattinson, Marlon Brando o Shia Labeouf han protagonizado algunas de estas tomas. Y sus anécdotas no tienen desperdicio.

1- Lie with Me (Clément Virgo, 2005)

En esta película independiente podemos ver la ajetreada vida sexual de Leila (Lauren Lee Smith) a través de múltiples escenas completamente reales que lleva a cabo con David (Eric Balfour). Llama en especial la atención una escena en la que Lee Smith se masturba en mitad de un parque público.

2- The Brown Bunny (Vincent Gallo, 2003)

La cinta, estrenada en el Festival de Cannes de 2003, generó una gran controversia al incluir una real –y explícita– felación de la actriz Chloe Sevigny a Vincent Gallo, que dirigió y protagonizó la película. Según se reveló más tarde, Gallo se había obsesionado tanto con la actriz que montó el personaje expresamente para esa escena.

3- Nymphomaniac (Lars von Trier, 2013)

La película más controvertida de Lars von Trier (que ya es decir) ha traído cola en cuanto a escenas de sexo se refiere. Las relaciones entre los actores Shia Labeouf y Stacy Martin fueron vendidas en un principio como falsas. Es decir, actores porno las llevaron a cabo y luego insertaron sus caras encima. Sin embargo, Labeouf confirmó recientemente que fueron reales, por lo que queda en el aire ver quién lleva la razón.

4- Love (Gaspar Noé, 2015)

El último filme de Gaspar Noé fue emitido como pornográfico por la mayoría de salas de cine. Sin duda, lo merece. Todas sus escenas de sexo son explícitas e, incluso, hay una eyaculación a cámara. Por si fuera poco, el director decidió grabarla en 3D.

5- Sin límites (Paul Morrison, 2008)

Justo antes de convertirse en el sueño de millones de adolescentes al interpretar a Edward Cullen, Robert Pattinson encarnó a Salvador Dalí en una película que retrataba la relación del artista con Federico García Lorca. En esta, tuvo que simular una masturbación a cámara. Y, según sus palabras, “eso fingido no sale, así que tuve que hacerlo de verdad. Y ahora mi cara de orgasmo quedará para siempre grabada”.

6- Canino (Giorgos Lanthimos, 2009)

Una de las películas griegas con mejor reputación de los últimos años retrata un incesto totalmente explícito entre Aggeliki Papoulia y Mary Tsoni. El incesto de Juego de Tronos parece un juego de niños al lado del cunnilingus real que se reproduce.

7- 9 Canciones (Michael Winterbottom, 2004)

Sin guion de por medio, solo con improvisaciones de los dos únicos protagonistas y grabada con una videocámara, esta película es una gran exposición de la relación íntima entre Margo Stilley y Kieran O'Brien. El argumento se intercala con flashbacks de relaciones totalmente explícitas y sin ningún tipo de censura.

8- Amenaza en la sombra (Nicolas Roeg, 1973)

Durante los años 70, la censura abatió con fuerza a esta película, que dio un vuelco al cine de la época a través de una escena de sexo real entre los actores Julie Christie y Donald Sutherland. Aunque en los siguientes años a su estreno ya se especuló sobre si en lo estaban haciendo de verdad, ha sido hace poco cuando Christie lo ha confirmado.

9- Último tango en París (Bernardo Bertolucci, 1972)

Esta es la más polémica de las historias sobre sexo real en el cine. En la película, de alto contenido erótico, Marlon Brando llega a violar al de Maria Schneider utilizando mantequilla como lubricante. Según se supo después, esto no estaba en el guion original, lo que provocó un gran shock en la actriz, que derramó lágrimas reales durante la escena.

10- El centro del mundo (Wayne Wang, 2001)

En una de las escenas de esta película indie, el protagonista (Peter Sarsgaard) acude a un club de striptease, donde se lleva a cabo una de las escenas más disruptivas y eróticas del cine de los últimos años. La actriz Molly Parker, durante su show, se inserta una piruleta en la vagina y más tarde la coloca en la boca de su cliente.

En 1979, Ridley Scott perfeccionó un género que llevaba un par de décadas gestándose: el terror espacial. Con Alien, el octavo pasajero, el director estremeció al público a través de una amenaza espacial que ha sido referenciada hasta la saciedad.

Con el tiempo, la maravillosa idea de Scott fue exprimida una y otra vez por productores que acabaron con la esencia de la saga. Poco quedaba del pavor de la cinta original en sus secuelas. Las películas de Alien se habían convertido en cintas de acción con sustos puntuales y mucha sangre.

En 2012, el propio Scott se volvió a sentar en la silla de director para remediar este problema con Prometheus, una precuela de la historia original protagonizada por Michael Fassbender. La película entusiasmó a muchos, si bien quedaban muchos cabos sueltos pendientes de resolver.

Ahora, vuelve con Alien: Covenant, la continuación de Prometheus, que promete, también, ser la más terrorífica de las películas de la saga. Aquí tenéis su impactante tráiler:

Alien: Covenant llegará a los cines el 19 de mayo con un reparto que vuelve a estar encabezado por Fassbender. Le acompañarán Katherine Waterston, quien acaba de saltar a la fama gracias a Animales fantásticos y dónde encontrarlos, Billy Crudup y James Franco.