Imagen: Tomada de Wikipedia.

Foto cortesía de Roger Waters Music Overseas Limited 2012.

Estadio Monumental Antonio Vespucio Liberti de Buenos Aires, Argentina. Santuario vivo del espectáculo sudamericano. Eterna casa del Club Atlético River Plate, habituada a recibir más de 75.000 espectadores del rasero más devoto e impetuoso cada fin de semana. Allí, entre las avenidas Figueroa Alcorta y Guillermo Udaondo del tradicional barrio porteño de Belgrano, se vivió una de las grandes hazañas en la historia reciente de la música.

 

Roger Waters, el legendario bajista, vocalista e indiscutido cerebro creativo detrás de la banda inglesa Pink Floyd, en el marco de su imponente tour The Wall Live, arribó a la capital argentina un 7 de marzo de 2012 para presentarse en el estadio de River.

Gigantografía de 'The Wall' ubicada sobre la avenida 9 de Julio en 2012. Imagen cortesía de EFE.

Siendo esta su tercera visita a la Argentina –Waters debutó en la ciudad de la furia un 7 de marzo de 2002 en el estadio de Vélez Sársfield, seguido de su estreno en el estadio de River un 16 de marzo de 2007–, el genio británico aprovechó para recorrer a fondo las calles bohemias de la tierra de Maradona.

Además de catar varias de las más finas selecciones de vino blanco –su trago predilecto– cosechado en el sur del continente, Roger Waters también visitó la famosa Villa 31, uno de los asentamientos ilegales más grandes de Buenos Aires. Allí estuvo grabando el video de la canción "The child will fly", que cuenta con la participación del cantautor argentino Gustavo Cerati, Pedro Aznar, Eric Clapton y la colombiana Shakira, quien gestó la iniciativa a través de su Fundación ALAS. Asimismo, Waters también recibió la "grata" compañía del entonces jefe de Gobierno de Buenos Aires y actual presidente de los argentinos, Mauricio Macri.

Roger Waters en el estadio Monumental de River en 2012. Foto por Mike McKnight.

Una vez finalizada la lagartería política, la menta maestra de Pink Floyd se aisló para proponerse lo imposible: llenar nueve veces el estadio Monumental de River. El coliseo más vasto de los bonaerenses sostenía dos récords épicos hasta la fecha: seis presentaciones a cargo de los ídolos locales Soda Stereo en su gira Me verás volver en 2007, y los Rolling Stones, quienes abarrotaron el Monumental en cinco ocasiones con su Voodoo Lounge tour en 1995.

Para The Wall Live, gira que disecciona uno de los trabajos más relevantes en la historia del rock –The Wall, el onceavo álbum de estudio de Pink Floyd lanzado en 1979, una obra introspectiva que muestra la fragilidad y capacidad de Waters para comprender sus propias emociones y vivencias–, el inglés habilitó nueve días de boletería para su aclamado concierto. Si estás haciendo cuenta, lo anterior quiere decir que los días 7, 9, 10, 12, 14, 15, 17, 18 y 20 de marzo de 2012 fueron dispuestos por el gran Roger para presenciar su gigantesca pared ser derribada en el estadio de River.

 

Contra todo pronóstico, en cada una de sus fechas hubo un sold out de boletería. Buenos Aires no dudó un segundo en presenciar en vivo la psicodelia infinita de clásicos como "Another brick in the wall part 2", "Comfortably numb", "Hey you" y "In the flesh?", canción que posteriormente contribuiría imágenes al documental Roger Waters: The Wall de 2014.

El espíritu de Pink Floyd seguía vivo en el Monumental, con nueve conciertos, nueve latidos que todo fanático argentino difícilmente podrá olvidar.

 

 

 

En el mundo del jazz, Karen Souza entró con versiones íntimas y envolventes de Creep (Radiohead) y Every breath you take (The Police). Pero desde años antes ya se hacía música: “Primero fue el chill house y deep house, toda esa música lounge. De ahí me invitaron a cantar en el proyecto de Jazz & 80’s y descubrí que el jazz era parte de mi infancia que estaba dormida en mí”, cuenta la cantante argentina en un restaurante de Ciudad de México.

Su último disco, Velvet Vault, es la representación discográfica de lo que son sus presentaciones en vivo. Y es que en este podemos escuchar estándares de jazz, covers de otros géneros llevados al jazz y canciones originales, además de su primer dueto con el músico japonés Toku.

Mientras disfruta de un café después de comer, Karen habla sobre su voz, el jazz y el amor por nuestro país: “Desde el primer momento en que vine a México, en 2011, me enamoré. Y desde entonces no he dejado de venir ni un año, es el país al que más tiempo le dedico y al que más viajo”.

—¿Qué es lo que más disfrutas de tu voz?

—Me gusta cantar más que escuchar mis canciones. Últimamente se me ha hecho lindo saber que mi música afecta a otras personas, he entendido que puedo acompañar la vida de otras personas y hacerles más fácil los momentos difíciles o acompañar una primera cita. Creo que ese es el arte: que uno puede pasar, pero las canciones se quedan.

—Tienes una voz íntima, ¿te benefician los foros pequeños?

—Sí, y además son lo más parecido a un club de jazz. Me gusta que no siento que estoy dando un espectáculo, más bien estoy cerca de la gente. Además de que están tomando una copa y eso siempre ayuda al romanticismo.

—¿Por qué crees que hay jóvenes que siguen escuchando y haciendo jazz?

—Para mí el jazz es un refugio. Me hace sentir cómoda y hay una calidez fuerte tanto en escucharlo como en practicarlo. Es un género hermoso; no puedo hablar objetivamente del jazz. A veces la música que se pone de moda es muy superficial y por ahí hay quien quiere ir más profundo, y esos caen en el jazz.

—Karen Souza es un personaje de Rocío Rodríguez, ¿nos recomiendas otro?

—Tengo muchos proyectos, ahora estoy haciendo algo totalmente nuevo: coaching y producción de voces para un artista argentino que se llama Lucas Contenti, es su primer proyecto musical. También el rock está impreso en mí y de vez en cuando tengo la necesidad de colgarme la guitarra eléctrica y quedarme sorda por un rato, y lo hago. Y todavía hago música electrónica; es que es tan estructurada que me produce muchos recuerdos de los años 90.

—¿Por qué tener tantas personalidades?

—Tengo muchos proyectos porque la música es un campo enorme y hay muchas cosas que se pueden hacer, a mí me gusta estar de todos lados: ser el grabado, el que graba, me meto en la producción y en el máster, y el oído se va agudizando con la práctica y el tiempo. No solo hago jazz, y hasta que me vuelva loca seguiré incorporando géneros.

—Te presentas en el Lunario el 10 de noviembre…

—Sí, vamos a entrar en profundidad en este último disco con músicos totalmente nuevos (distintos a los que vinieron el año pasado) y músicos invitados. Hay canciones nuevas que tengo guardadas, que me da pena que se queden empolvadas y son sorpresas íntimas que van a escuchar también en el concierto. 

YA ES OFICIAL! El Vive Latino 2019 se vistió de manteles largos para festejar 20 años de música sin parar con un line-up extenso y bastante agradable en el que podemos a bandas como The 1975, Editors, Korn, Foals, Snow Patrol, Fobia y El Tri liderando parte del cartel. 

A través de la cuenta oficial de Twitter de  Editors se filtró el anuncio del cartel, y aunque ya lo bajaron, muy pronto se hará oficial.

Los próximos 16 y 17 de marzo, el Autódromo Hermanos Rodríguez se pondrá a vibrar de energía con la llegada de más de 60 bandas, todas y cada una de ellas pensadas para dar un repaso a las dos décadas de música que nos ha regalado el Vive Latino.

Por mencionar algunas, se encuentran en el cartel El Gran Silencio, División Minúscula, Bengala, Jumbo, Kill Aniston, Tino El Pingüino y Ximena Sariñana. Artistas que en su momento formaron parte de las primeras ediciones y que de nueva cuenta regresan con gusto y con más experiencia que antes.

La historia del Vive Latino comenzó en 1998. De aquel momento a la fecha muchas cosas han cambiado. Cuando en un principio cargaban la bandera de un festival 100 por ciento construido con bandas de Iberoamérica, pronto la globalización y la demanda de los fans hicieron lo propio para que los organizadores decidieran expandirse buscando a bandas de todo el mundo.

El Vive Latino es hasta el momento uno de los festivales más importantes del país. Más allá de ofrecer una ventana a millones de fans de ver a sus bandas y artistas favoritos, se convirtió en una plaza importante para las bandas emergentes mexicanas que buscaban la oportunidad de presentarse ante miles de personas. Hoy, muchas de esas agrupaciones han dejado de ser “las letras chiquitas del cartel” y se han convertido en leyendas de la música en México y en toda Latinoamérica.

Si no te quieres perder el 20 aniversario del Vive Latino, ve rompiendo tu cochinito porque la preventa especial para tarjetahabientes Citibanamex comienza este 8 y 9 de noviembre, mientras que el 10 estarán disponibles para todo el público.

En un nuevo episodio de "Iggy Confidential" programa de Iggy Pop transmitido por BBC Radio 6, estrenaron una versión inédita de “Bang Bang” de David Bowie. La canción formó parte del álbum “Party” de 1981 de Iggy. Posteriormente fue incluida en el “Never Let Me Down” de 1987. La nueva versión será incluida en el Box Set “Loving the Alien”, que llegará el próximl 21 de octubre a través de Parlophone

La fundamental banda de rock mexicano hace una revisión y reinterpretación de sus canciones más épicas, irreverentes y contestatarias en versión acústica.

EL 22 DE DICIEMBRE DE 1997 México despertó con la noticia de la matanza de 45 indígenas en Acteal. En ese entorno crecientemente represivo, la banda Molotov acababa de lanzar ¿Dónde jugarán las niñas?, su primer álbum en estudio que supuso un manotazo del rock mexicano al establishment sociopolítico. Las letras de algunas de sus canciones cuestionaban el rol de algunos medios masivos de comunicación —“que no te haga bobo Jacobo”— o enganchaban a corear estrofas furiosas como la de “si le das más poder al poder, más duro te van venir a coger”, de su emblemática “Gimme the Power”, que se volvió el himno de una generación cansada del mal gobierno.

A poco más de 20 años de esa irrupción musical, una de las bandas más longevas e importantes del rock mexicano hace una revisión y reinterpretación de sus canciones más épicas, irreverentes y contestatarias, en versión acústica para MTV, bajo el título El desconecte.

FOTO: UNIVERSAL MUSIC

—Dos décadas después de “Gimme Tha Power” ¿seguimos dándole más poder al poder?

—Eso nos lo preguntaron hace 20 años —responde Micky—; el poder o quién tiene el poder y qué hace con él es atemporal. Ahorita sigue siendo vigente y es un bajón para nosotros, siempre hay que batallar con injusticias.

“Yo voté por López Obrador —interviene Tito—, pero en cuanto ganó se convierte en mi enemigo, a estar pendiente de que sí se ponga a trabajar. Todos son corruptos, pero estaba ya demasiado grave [la situación] con el PRI: era lo más agudo y descarado que hemos vivido en corrupción. Espero que ahora ya tengamos a alguien que le ponga freno”.

—Tito, ante el actual panorama político, ¿han perdido la energía de hacer canciones con protesta y sin pelos en la lengua?

—No, porque la circunstancia se ha adaptado a nosotros; hacemos canciones que tienen que ver con lo que nos rodea, el concepto del poder se convierte atemporal, sigue siendo vigente, imaginamos un mundo menos distópico. Hacemos todo lo que cualquier ciudadano, nos formamos para sacar el IFE y vamos al súper, nos afecta lo que vivimos como a cualquiera y eso es lo que plasmamos en nuestras composiciones.

—¿Qué ha cambiado desde su disco Dónde jugarán las niñas?

“Si sacáramos ese disco en estos días, muchos más se ofenderían —contesta Micky—. Ahora todos están más sensibles y con las redes sociales todos te acribillan por decir algo o no decirlo. En ese tiempo fuimos esa voz que hacía falta escuchar y salió natural hacerlo. Y lo que se nos ocurría coincidía con lo que le gustaba y necesitaba la gente.

—¿Qué supuso enfrentarse a sus canciones en acústico?

—Pues así, las tocamos y ya, era lo más fácil, nada más nos desconectamos —responde Tito entre risas.

Micky agrega: “Había canciones que las tocamos para escuchar cómo sonaban en acústico y hubo un par que sonaban así muy bien y otras que les dimos un swing distinto, donde hicimos arreglos para hacer ritmos más experimentales y pasar de canciones estridentes o distorsiones al acústico, pero sin perder fuerza. Ese fue el gran reto y creo que lo hicimos muy bien”.

—¿Qué fue lo último que escucharon que les voló la cabeza?

—El último de Ty Segall y la onda sicodélica de rock en México —dice Tito.

—Si Molotov fuera una persona o un señor, ¿cómo sería, quién sería?

—Sería “Luis Miguel bis”, un señor físicamente horrible y desagradable como una tortuga ninja, un güey con la cara de todos nosotros —revira de nuevo Tito.

—¿Cuándo fue la última vez que dijeron: papá, no soy feo?

—Hace una mes, cuando mi papá me dijo: “Ya vi que eres artista” —dice Tito.

Interviene Micky: “Con mi última foto que vi en Instragram sí dije: “Papá, no soy feo”.

—¿La última vez que se encontraron con un verdadero charolastra?

—En cualquier partido del Pumas, en la porra siempre te encuentras a un charolastra —responde Micky.

—¿Cuándo fue la última vez que sintieron que le dieron más poder al poder?

—Este pasado 1 de julio y cada vez que votamos. 

Los investigadores del Instituto Max Planck en Alemania, compararon los cerebros de pianistas de jazz y de formación clásica, para descubrir que su actividad cerebral difiere significativamente, incluso si tocan la misma pieza de música. Los resultados de su investigación fueron publicados hace poco en la revista NeuroImage.

THE LONIOUS MONK

 

El funcionamiento del cerebro creativo puede ser aún más complejo y sutil de lo que pensábamos. Se sabe que un músico desarrolla una estructura cerebral diferente que alguien que no toca un instrumento, pero ahora los científicos creen que también hay diferencias profundas entre las actividades cerebrales de los músicos que tocan diferentes estilos.

Los investigadores del Instituto Max Planck en Alemania, compararon los cerebros de pianistas de jazz y de formación clásica, para descubrir que su actividad cerebral difiere significativamente, incluso si tocan la misma pieza de música. Los resultados de su investigación fueron publicados hace poco en la revista NeuroImage.

“La razón podría deberse a las diferentes demandas que estos dos estilos plantean a los músicos, ya sea para interpretar hábilmente una pieza clásica o para improvisar creativamente en el jazz”, dijo Daniela Sammler, neurocientífica y autora principal del estudio. “Así, en sus cerebros se pueden haber establecido diferentes procesos al tocar el piano, lo que dificulta el cambio entre los estilos”.

La música de jazz es amada por sus improvisaciones sueltas y fluidas, mientras que la música clásica está asociada con una interpretación más estructurada.

Esto significa que mientras tocan, en el jazz y en la música clásica los intérpretes tienden a planificar su próximo movimiento de una manera diferente. En palabras de los investigadores, los pianistas de jazz se centran en “qué” notas tocar y los pianistas clásicos están pensando en “cómo” sus dedos deberían llegar a la siguiente tecla. Parece una diferencia sutil, pero depende de una forma totalmente diferente de actividad cerebral.

Los científicos reunieron a 30 pianistas profesionales: la mitad eran jazzistas y la otra mitad eran clásicos. El experimento consistió en tocar la misma secuencia de acordes que presentaba errores extraños en las armonías. Durante el ejercicio, sus cráneos fueron equipados con sensores de electroencefalografía, con la esperanza de ver cómo reaccionaban sus cerebros ante armonías inesperadas y cómo se registraban sus ondas cerebrales.

Los resultados mostraron que los cerebros de los pianistas de jazz replanificaban  las acciones considerablemente más rápido y con mayor fluidez, en comparación con los pianistas clásicos. “Por consiguiente, fueron más capaces de reaccionar y continuar su desempeño”, señaló Roberta Bianco, primera autora del estudio.

A continuación el equipo quiere profundizar en otros géneros de la música, usando diferentes instrumentos, para comprender qué está pasando exactamente en el cerebro cuando tocamos música. Sammler explica: “Similar a la investigación en el lenguaje, para reconocer los mecanismos universales del procesamiento del lenguaje, tampoco podemos limitar nuestra investigación al alemán”.

El Ciudadano, vía IFLScience